José Luis Alonso de Santos, Premio Max de Honor 2022

• Por su amor a la comedia, su vasta trayectoria como dramaturgo y su gran labor de investigación en la teoría teatral

• El vallisoletano recibirá el Premio Max de Honor 2022 en la XXV edición de los Premios Max – Menorca, que tendrá lugar el 6 de junio en el Teatre Principal de Maó

• Alonso de Santos nos recibe en el Teatro de la Comedia de Madrid para hablarnos de sus tres pilares básicos: el público, la investigación y la vocación artística

El Comité Organizador de los Premios Max de las Artes Escénicas ha dado a conocer el Premio Max de Honor 2022, que ha sido otorgado por el Colegio de Gran Derecho de la SGAE y por unanimidad al dramaturgo, director escénico, divulgador e intérprete José Luis Alonso de Santos por todo su desempeño en el campo de las Artes Escénicas. El comité, que ha resaltado su vasta trayectoria, le ha reconocido como voz de una generación del teatro independiente y experimental español, por su amor profundo al género de la comedia y su labor como ensayista y divulgador de las Artes Escénicas.

 
El dramaturgo vallisoletano recibirá el galardón el próximo 6 de junio en el Teatre Principal de Maó durante la ceremonia de entrega de la XXV edición de los Premios Max – Menorca que organiza la Fundación SGAE con la colaboración del Govern de Illes Balears, el Consell Insular de Menorca, el Ayuntamiento de Maó, la Fundació Fomente de Turisme Menorca, el Ministerio de Cultura y Deporte, a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), el Grupo Eulen y Ernest & Young. La ceremonia será retransmitida por La 2 de RTVE, a partir de las 20 horas, a través del Canal Internacional y de RTVE Play. 

Tras conocer la noticia, el autor ha declarado recibir el premio con muchísima gratitud hacia quienes le han considerado merecedor del galardón: “Este premio no es como otro cualquiera, es un resumen a la totalidad de mi carrera. La vida tiene diferentes etapas, pero este galardón es general y por eso tiene una categoría especial. Me hace sentir muy satisfecho”, ha admitido desde el Teatro de la Comedia de Madrid, su coliseo favorito, hogar de clásicos.

Teatro psicológico, libre, político e independiente    
La constitución del Teatro Experimental Independiente en 1968 marcarían toda su forma de hacer y considerar el teatro, más cercano a la crítica social, con una selección de montajes de efervescencia política y de vanguardia que integraban su interés por la filosofía, la psicología o la sociología con el análisis, el estudio y la búsqueda de nuevos lenguajes. 

Pero sería con la fundación de Grupo Teatro Libre en 1971 con la que daría el salto a la dramaturgia y la dirección: “Lo de la vocación es una cosa extraña”, comenta quien recibiera el Premio Nacional a la Vocación Artística en 1972. “Siempre tuve facilidad para las palabras y como actores había muchos, y en el teatro no quieres sentirte inútil, comencé a hacer lo que hacía más falta, como escribir nuevas obras. A veces era complicado encontrar obras que adaptar que encajaran con nuestro elenco o que se aproximaran a lo que queríamos transmitir y me parecía más fácil escribir nuevas historias. Dejé de ser actor porque la sociedad me dejó de necesitar y empecé a hacer lo que la sociedad necesitaba de mí”. 

Su primera obra, ¡Viva el Duque, nuestro dueño!, supuso su primer gran éxito de crítica y taquilla. Desde entonces, sus textos giraron por toda España, gracias a las interpretaciones de la familia que había conformado en Grupo Teatro Libre y a su gran obsesión por llegar y generar nuevos públicos: “Éramos muy jóvenes, estábamos en un cambio político en España que destacaba por la gran esperanza conjunta y la ilusión, y el teatro independiente coincidió en tiempo con el movimiento hippie: todo el mundo te abría las puertas de su casa. Eran tiempos de flores y ahora estamos en tiempos más bien de pantanos”.

Una sucesión de obras de signo político, psicológico y experimental comenzaron a ser su seña de identidad, con la que burlaba la censura de la época, muy combativos contra el régimen pero que también sirvió para darle notoriedad: “Censura ha habido en todas las épocas y de formas más directas o menos, como por ejemplo las subvenciones, las comisiones, las directrices artísticas o con el apoyo de la prensa”, explica Alonso de Santos que, conocedor de “muchos tipos de censura según la época”, no duda en que la peor de todas es la que se impone el propio creador: “Las modas son la peor de las censuras. Si no las sigues parece que no eres moderno. El creador debe manejar todo eso con cierta habilidad para no ser fagocitado por esos grandes almacenes. Sobre todo, si tu trabajo pretende ser a largo plazo no debe estar al servicio de modas. Yo he elegido siempre estar determinado únicamente por dos corrientes: el arte y el público”. 

En la memoria quedan algunos de sus textos más relevantes de esta época como La verdadera y singular historia de la princesa y el dragón (1980), Del laberinto al 30 (1980), El álbum familiar (1982) o La última pirueta (1986). Una carrera que le valdría el Premio Nacional de Teatro (1986), reconocido como la voz de una generación: “No soy consciente de lo que he aportado, sí me siento orgulloso del esfuerzo, el ánimo y el entusiasmo que he puesto en la tarea. Ha sido como escalar una gran montaña y soy muy humilde en este aspecto: no creo que mi teatro haya influido en la humanidad, pero con haber ayudado a mejorar la vida de mis vecinos y haber cumplido algo con el canon de Cervantes me siento satisfecho. Yo defiendo el arte por el arte”.

La comedia para revolver conciencias
Precisamente, de esa obsesión por acercar el teatro a nuevos públicos, alcanza Alonso de Santos su mayor popularidad. Su pluma empieza a escribir sobre nuevas inquietudes, más cercanas a la sociedad de su tiempo, logra erigirse “voz de víctimas” y encumbrarse como uno de los más destacados dramaturgos del siglo XX en España. “En el mundo real las víctimas cambian todo el tiempo y prestar mi voz para amplificar sus problemas ha sido fundamental para mi teatro. El teatro se alimenta de las batallas de la vida, de las crisis y de los conflictos entre los que mandan y obedecen, entre los que nada tienen y lo tienen todo, entre los sanos y los enfermos. Me ha encantado ser la voz de todos ellos”, culmina.

Pero si hay que destacar dos obras que ejemplifiquen esta filosofía estas son Bajarse al Moro (1982) y La estanquera de Vallecas (1981), dos piezas de comedia, esperpénticas, que en sus adaptaciones al cine dejan hoy un poso de nostalgia entre los espectadores. Dos obras monumentales que le han permitido llegar a un público que no está tan habituado al teatro. Piezas con tintes quinquis, tan actuales hoy en día, que a través de la comedia nos hablan de la marginación, de los problemas sociales de la España de los 80 y que aún perduran hoy. “La estanquera de Vallecas me ha permitido conectar, por ejemplo, con los presos de centros penitenciaros de toda España. Es para muchos el primer libro que leen porque no les resulta complejo”, destaca Alonso de Santos, cuya máxima en la escritura ha sido ayudar a vivir a los demás. “Para mí, el teatro tiene tres posibilidades de expresión: O es una reflexión de la existencia o es un grito contra el muro de la vida o es un jardín del espíritu. Y a mí, me ha encantado ser el jardinero que planta flores por donde pasea el ser humano tras sus batallas. Las flores son lo contrario a los estercoleros, a la basura, a la miseria, a las latas rotas. Son las flores las que hacen que nuestros espíritus sean felices y la comedia es purificadora para nuestras almas. Es una forma de vivir y de ayudar a vivir a los demás”, concluye.

Una vida de reconocimientos profesionales

Ha sido galardonado, entre otros, con los premios: Tirso de Molina (1984), Mayte (1985), Nacional de Teatro (1986), Rojas Zorrilla (1986), Medalla de Oro de Teatro de Valladolid (1993), Muestra de Autores Contemporáneos de Alicante (2005), Max (2005),​ Castilla y León de las Letras (2009)6​ y Nacional de las Letras Teresa de Ávila (2010). Fue nombrado letraherido en 2019 por el Ayuntamiento de Valladolid. ​ En 2021 fue galardonado con el premio a toda una vida dedicada al teatro por la Federación Española de Teatro Universitario.

Anteriores premiados                
En los años anteriores el galardón ha recaído en Gemma Cuervo (2021); Nacho Duato (2020); Concha Velasco (2019); José Sanchis Sinisterra (2018); Salvador Távora (2017); Lola Herrera (2016); Rosa Maria Sardà (2015); María de Ávila (2014); Ana Diosdado (2013); Julia Gutiérrez Caba (2012); José Monleón (2011); Josep Maria Benet i Jornet (2010); Miguel Narros (2009); Víctor Ullate (2008); Fernando Arrabal (2007); Pilar López (2006); José Rodríguez Méndez (2005); Francisco Nieva (2004); Alfonso Sastre (2003); José Tamayo (2002); Antonio Gala (2001); Adolfo Marsillach (2000); Antonio Buero Vallejo (1999) y en el Teatro de la Zarzuela (1998).

Dos  premios especiales           
Los galardones de Artes Escénicas más prestigiosos del ámbito nacional celebran 25 años manteniendo 20 categorías a concurso y dos premios especiales: Premio Max de Honor, que distingue la trayectoria de una persona por su aportación, entrega y defensa de las Artes Escénicas y el Premio Max Aficionado o de carácter social, que engloba proyectos a favor de la integración y la proyección social y a compañías aficionadas con una sobresaliente contribución a las Artes Escénicas. En los últimos años, los Premios Max de las Artes Escénicas se han consolidado como los referentes del sector, alcanzando cada vez un mayor número de seguidores y despertando el interés de compañías de todo tipo y de todo el territorio nacional.

Veinticinco años de Premios Max      
Organizados por la Fundación SGAE desde 1998, los Premios Max celebran este año su veinticinco aniversario. El galardón que fue diseñado por el poeta y artista plástico Joan Brossa (Barcelona-1919/1999), impulsor de uno de los colectivos renovadores del arte español de posguerra, se han consolidado a lo largo de estos años como el reconocimiento más amplio en el ámbito de las artes escénicas en el estado español.

A lo largo de sus 25 años de historia, los Premios Max no solo han contribuido a impulsar la nueva dramaturgia, permitiendo una escena fructífera y sólida que es capaz de renovarse y reverdecer constantemente. También han puesto en valor la tradición de nuestras Artes Escénicas con el Max de honor, galardón que han recibido entre otros Antonio Buero Vallejo, Ana Diosdado, Paco Nieva, Lola Herrera, Nacho Duato, Rosa María Sardà, Víctor Ullate o Adolfo Marsillach, y han sabido reconocer a todas las instituciones y promotoras que han hecho del escenario su apuesta, desde el Teatro de la Zarzuela a Escenamateur, pasando por la Bienal de Flamenco de Sevilla, el Centro Dramático Nacional o el Teatro de la Abadía. Con un espíritu itinerante que conecta con las raíces del teatro mismo, la gala ha recalado hasta ahora en doce ciudades de nuestra geografía y en veinte teatros diferentes al mismo tiempo que ha puesto sus ojos en la proyección internacional de nuestras Artes Escénicas y en los grandes del teatro iberoamericano con un premio especial entregado hasta 2013 y que han recibido Héctor Alterio, Les Luthiers o Daniel Veronese. La misma heterogenia la encontramos en la nómina de directores y directoras que han puesto su imaginación al servicio de esta gran fiesta. Con más de 400 espectáculos premiados, su recorrido es también el relato reciente de nuestras Artes Escénicas, que pasa inexorablemente por autores, autoras y demás profesionales (encima o detrás de las tablas) de todo rango, condición, motivaciones, sensibilidades, enfoques: Sanchis Sinisterra, Alfredo Sanzol, Andrés Lima, Vicky Peña, Sol Picó, Israel Galván, Eva Yerbabuena, Juan Mayorga, Elisa Sanz, Curt Allen Wilmer, Josep Maria Flotats, Blanca Portillo, Juanjo Llorens, Carlos Hipólito, María Hervás, Jordi Casanovas, Laila Ripoll, Nao Albet y Marcel Borràs…